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音と色彩の共感覚

「共感覚者の驚くべき日常」という書籍に、「味に形を感じたり」「音を聴くと色光が見える」といった共感覚者についての研究があります。

これは、「活動的で火のような音楽」といった、私達が言葉によって表現する印象や比喩とは全く別のもの。

実際に光や色彩の塊が目の前に現れ、外から受ける刺激と同様の感覚が再起される人たちについての記述です。

これまで非科学的だという理由から、ほとんど研究されなかったテーマだとのことです。

この本は、「客観的に証明できるもの」だけを『科学的』と呼ぶ従来のものの見方にも疑問を投げかけていて、「主観的な経験や、直観的に理解していること」を丁寧に扱うことが、このような現象の本質に近づくためには必要との立場をとります。

この態度は、現代のテクノロジーや科学観が抱える矛盾や問題を克服するための指針としても重要で、とても面白い本だと思いました。

また、これらの現象にインスピレーションを受けた創作活動として、興味深いものが多数記載されていたので、これらの例を参考までに挙げておきます。
（実際の共感覚体験と、意図的に音と色彩を共通のテーマとした創作とは、混同してはならないと強調されていることには注意が必要）

■自然科学的な主題としての関心からの取り組み

1704年、アイザック・ニュートンが音波の振動数とそれに対応する光の波長を等しくする数式を組み立てようとして苦心した。

1725年、視覚クラブサンという音と光で奏でる楽器が登場した。同様の装置はたくさんつくられている。

1810年、ゲーテが、「色彩論」で色覚とそのほかの感覚との対応について詳しく述べる。

■共感覚をもっていた芸術家による作品

1915年、作曲家スクリャービンが交響曲「プロメテウス」で、自身の共感覚を表現しようと試みる。色光をコントロールするキーボードや、光線をコンサートホールに放つなど。当時の技術では限定的な再現しかできず。

共感覚のある画家、カンディンスキーは、「コンポジション」「即興」と名づけた絵画で、音と色の調和関係を表現。

【関連】
「共感覚者の驚くべき日常」を書評しているページ
http://www.ringolab.com/note/daiya/archives/000533.html

レヴィ=ストロースの神話と変奏

6月25日の日経新聞に載っていた、橋爪大三郎氏によるレヴィ=ストロースの「神話論理-生のものと火を通したもの」書評が面白かった。
南米インディアンの神話を中心に２００近く取り上げた著作ということですが、神話と音楽との類似性が指摘されています。

似たようでいて違っている神話同士を、要素のいくつかが入れ替わっただけの、音楽の変奏曲のようなものだとみなす。
そして、これらの変奏曲全体の背後に無意識の思考の秩序（構造）が隠されていると考える。

レヴィ=ストロースはこのように神話を考えていたのだそうです。
文字のない太古の昔から人類が残した思考は、一見共通点がなかったり、支離滅裂な話に思えます。
しかし、無数にある神話をたどると、宇宙や人間の起源をめぐる共通のテーマ（主題）が浮かび上がってくる。
これが１つ主題（テーマとなるメロディ）を次々と展開する変奏曲に似ているということなのでしょう。

音楽は時間のなかで聴き取るしかないが、時間を超えた構造を本質とする。神話も同じであるという。

これは、かなり哲学的な文。どう読めばいいのか難しいのですが・・
音楽作品として表現されたものは、聴くという行為を通じて経験するためそれぞれの時間を持って存在しますが、数学のような時間を超えた規則にしたがって自分を形づくっているということなんでしょうか。

レヴィ=ストロースは「野生の思考」もまだよんでいなかったので、あわせてじっくり読んでみたいと思いました。

聴こえない音の科学

人間が音として感知できる範囲は、自然にある音のほんの一部ですが、実際には聴こえていない音にも、なんらかの効用があるのでしょうか。

まず、人間が音を感知できる範囲（可聴域）の周波数。これは約20kHz前後。
これを録音するためには2倍の周波数域があればよいとされており、
音楽ＣＤが44.1kHzでフォーマットされているのもこの理由のためです。

音楽CDで使用されるサンプリング周波数は44.1kHzであるため、
22.05kHzまでの音声波形を損なわずに標本化できる。

引用：サンプリング周波数 - Wikipedia

しかし、実際の音楽レコーディングにおいては、96KHｚや、192KHｚといった高いレートで楽器音を録音し、ミックス作業を行った後、CD向けにレートを落とすということが幅広く行われています。
つまり、可聴域よりも高い成分が、クリアーで高品位なサウンドの重要な要素になっているという認識を、レコーディングエンジニア達は持っていることになります。

また、高周波数音には面白い特徴があります。

• 振動エネルギーが高いので、遠くまで届く
• 直進性、指向性が強い
• 電波より遅いので近距離の計測などに使われる

身近なところでは、医療用の検査器や洗浄機があるでしょうか。
また、「大人よりも、若者のほうが、高い周波数を聴き取れる」という特徴を利用した面白い例が紹介されていました。

「子供達にだけ聞こえる超音波着メロ」が、
イギリス中の子供達に大流行だという。
授業中にその着メロがなると、子供たちは聞こえるのだが、
先生には聞こえないために、それがおかしくて
クラス中がクスクスと笑い始めるのだそうだ。

Life is beautiful:子供達にだけ聞こえる超音波着メロ より

それでは、高次倍音を含んだ「聴こえない音」が、心理面に与える影響というのはどうでしょうか？

トマティス博士によるモーツアルト効果というものがあります。これは、

耳から入った音の低い高いという周波数は、
大脳から脊髄にかけてのある部位に対応して反響する

引用：ザ・モーツァルトセラピー

という発見がベースになっていて、音楽療法として応用されています。
以前本で読んだ際には、なぜモーツァルトなのかという特殊性については、多方面からの検証が必要だと思いましたが、大変興味深いと思います。

また、高次倍音を出すということではホーミーというモンゴルの唱法があり、以前記事を書いたのですが、寄せられた情報によると、この声にも高周波数音が多く含まれているようです。

書いた記事：ユニクロCMのモンゴル唱法

これらの高周波数音を含む音楽は、データ量が膨大になるため、CDやMP3といった大量流通しているメディアでは、再現が難しい領域になってきます。

この「聴こえない音」は意味や記号伝達という面では、人間には役に立たない部分だったのでしょう。しかし、質の面で大きな役割を担っていることがわかってくると、見過ごすわけにはいかない分野となってくるはずです。

主要3和音をおさらい

↓音符クリックで音が出ます。

和音機能	該当する3和音
トニック(T)	ⅠⅥ
サブドミナント(S)	ⅣⅡ
ドミナント(D)	Ⅴ

このうち、長和音のI、Ⅳ、Ⅴを主要三和音という。

• この3つの和音で、その調の構成音が網羅されるので、この3つを提示することで調性が確定される
• 長音階のメロディーならば、主要3和音で最低限の伴奏づけが可能

なので、C(Ⅰ),F(Ⅳ),G(Ⅴ)、のようなスリーコードの曲は、たくさんあります。

カデンツの基本パターン

T => D => T
T => S => D => T
T => S => T

Tをホームと考えて、Dを目的地を置いてみるとわかりやすいかも。Sは経由地か。
Tからスタートし、Dを達成してTに帰る（解決）。これが1サイクル（カデンツ）になります。

おすすめ音楽理論の本

これまでに、買った音楽理論の解説書のなかで、
役にたったものを紹介します。

上から順番に、入門～上級となっています。

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コードのしくみ
	若松 正司 Amazonで詳しく見るby G-Tools

コードについてのわかりやすい解説を探して、高校生のころに買った本。
イラストが多く、雰囲気がつかみやすいのが特徴。続編シリーズも出ています。

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和声と楽式のアナリーゼ
	島岡 譲 おすすめ平均  親しみやすい曲を取り上げています 簡単な書式に新たな発見が Amazonで詳しく見るby G-Tools

アナリーゼとは、分析のこと。
楽譜を手にしながら、曲がどのような構成になっているか調べる手法についての、ガイドとなっています。

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和声の原理と実習
	外崎 幹二 島岡 譲 音楽之友社  1958-11 売り上げランキング : 63,765 おすすめ平均 Amazonで詳しく見る by G-Tools

第1部の実習編で、和声の基礎的な用法を網羅。
第2部の原理編では、和声理論の根拠について、どういう風に理解すべきかが書かれているので、単なるルールとしてではなく、音の自然法則として和声を理解したい学習者の助けになると思います。

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作曲の基礎技法
	アルノルト・シェーンベルク おすすめ平均  まともな作曲を目指すなら読んでください 最高の本 Amazonで詳しく見るby G-Tools

学生向けの分析と作曲法の講義からまとめられた著作。
動機（モチーフ）の扱いかたや、展開のバリエーションなど、楽曲の構造と形式について詳しく述べられています。
音楽の本質をとらえた箴言を、多数見つけることができる1冊。

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管弦楽技法
	ゴードン・ヤコブ 宗像 敬 おすすめ平均  とにかく、簡潔＆濃厚 Amazonで詳しく見るby G-Tools

管弦楽の書法について、何から知るべきなのか、何を意識する必要があるのか。
これらの要点を手にしやすいページ数にまとめてあります。

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好みやジャンルによっては、参考になるもの

バルトークの作曲技法
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黄金分割やフィボナッチ数列といった、自然のなかの数の法則がバルトークの作曲システムに適応されていることを、論証しています。
曲づくりに転換できる面白いテーマが、図解されています。

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リズムの法則―音楽三要素の核を徹底分析
	ミッキー アーンショウ Micky Earnshaw 藤井 美保 Amazonで詳しく見るby G-Tools

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近代和声学 新訂
	松平 頼則 Amazonで詳しく見るby G-Tools

ユニクロCMのモンゴル唱法

「うぃぅぇぁぉ～」という、笛のような、うなり声のような低音と、ひゅるひゅるした高音が聞こえる不思議な音楽をモンゴルの人が歌っている。
ユニクロの新CM。

あれは一人で2つの音を同時に鳴らす「ホーミー」と呼ばれている伝統的な発声法によるもので、特殊な喉の使い方によって高い倍音を発生させているそうです。

「倍音」というのは、ちょっとわかりにくい言葉ですが、噛み砕いていうと「音の背景色」のようなもの。

たとえば草原の緑色は、絵の具のみどり1色で出来ているのではないですよね。
何種類もの色と数えきれない光が反映しあって緑色のようにみえてるわけで、プリズムで取り出したら、赤とか黄色とかいろんな色がその要素に含まれています。

音も一緒で、ピアノで「ド」の音をポーンと鳴らしても、そこには、はっきりとは聞き分けられないけど、いろいろな音程が混じりあっているんだよということです。

ホーミーの歌唱法は、低い声の後ろに隠れている高い音を、喉で響かせることによって取り出してみせている、驚きの技法なのでした。

↓シンセで倍音の変化をシュミレートしたサンプル
ダウンロード homy.mp3 (157.7K)

あとで書いた記事：聴こえない音の科学

沖縄の音階を探る

谷茶前(mp3)

沖縄の音階は以下に示すような5音音階で出来ています。
構成音（Ｃ、Ｅ、Ｆ、Ｇ、Ｂ、）

ここで注目してもらいたいのが「ド、ミ、ファ」、「ソ、シ、ド」の同音形のペア。
それぞれ両端で4度音程を作っています。
この完全4度の枠を「テトラコルド（ｔｅｔｒａ-ｃｈｏｒｄ)」呼ぶのですが、ここに２組そろって登場しているのは偶然ではありません。
日本はもちろん、世界の民族音楽のほとんどが、このテトラコルドの枠を作る完全4度と、その間に挟まれた音を移動することで構成される音階をもとにつくられているという解釈が可能なのです。

ここで、もう少し個々の音程を詳しく見てみたいと思います。
まず、長三度（ド-ミ・ソ-シ）。
これはとても上昇力の強い音程。
明るい響きと同時に次の音へと進んでいく余力と身軽さもあります。

そして、すぐ上に隣接しているのは短1度（ミ-ファ・シ-ド）。
ここでは西洋的な機能である、解決や達成を表す要素は少ないように感じます。
小回りがきく音程で装飾的に用いられることも多く、上下どちらにもよく動きますが、ちょっとおどけた感じにも使えます。

この音列が同形でペアを作っているのが琉球音階ということ。
曲中においては、3連符の弾んだリズムが、いっそうその性格をはっきりとしたものにしています。

↓沖縄の民謡、谷茶前（たんちゃめー）の一部をシンセサイザーで録音したサンプル。
http://add9.typepad.jp/net_sym/soundmemo/tanchame.mp3

2拍3連符の数え方

ポリリズムサンプルmp3

まずはちょっとした問題です。
↓のリズムを左右の手を使って同時に叩くことができますか？
左手が四分音符で、右手が二拍三連符！？しかも同時に！
頭が混乱してしまう、とても難しいリズムだと思います。
このリズムを同時にしかも正確に鳴らすためには、ちょっとしたコツが必要になってきます。

この例は左が４つ打つあいだに、右が６つ鳴ることになる。
つまり２種類のリズム比は4：6になっているということが出来ます。
そこで、両方に共通する音符で書き換えるということを試してみます。

このように１２個の共通音符を用いることで、正確なリズムを刻むことが可能になります。
共有する音符の数を算出するとき、
12＝4と6の最大公倍数（Least Common Multiple＝LCM）という関係が成り立っています。

このように２種類の異なるリズムのLCMを求めることで、複雑なポリリズムを鳴らすことも可能になるのです（驚）

↓たとえば、リズム比4：5なんていうとても頭で考えることができないリズムも

以上ような、イーブン・ビートを用いてリズムを解析する方法は
楽器練習エクササイズやリズムトラックの作成に大いに役立ちそうです。

参考：リズムの法則―音楽三要素の核を徹底分析
リットーミュージック：Micky Earnshaw 著

連続5度ってダメなの？

クラシックの理論書を読むと、5度音程の連続はダメって書いてあるけど、
ロック音楽のギターリフはすべて5度の並行進行で出来ている。
どうして？と質問されたことがあります。

私も疑問を感じ、島岡譲(著)「和声の理論と実習1」を参照してみました。
以下のように書かれています。

『2声部の同時進行において、先行音程と後続音程とが共に５度を形成することを連続5度という連続5度は、後続音程が完全5度の場合に禁ぜられる。』（後ろが減5度は良。）

そして、これらの進行は「不良」であると書かれています。
↓譜例のMIDIファイル、聴いてみてください。確かに、響きが乾いていて無表情に聴こえます。
http://www5f.biglobe.ne.jp/~hps/classicMIDI/rennzoku5.MID

そもそも、和声学は、ソプラノ・アルト・テノール・バスという合唱における４つの声部をなめらかに、かつ、豊かに響かせるために定められた原則です。
連続5度のような禁則と呼ばれる進行は、中世の音楽家にとって調和を損なうものと考えられたのでしょう。

しかし、作曲家たちは、このルールに常に厳格だったわけではなく、
バッハ、モーツァルト、シューマンらの作品には例外的な反則が見られるとのこと。
作曲家たちは5度の連続の音色について、次第に「悪くない」と考え出したようです。
近代以降にはこのルールを真っ向から否定する作曲家が続々とあらわれました。
参考：松平頼則「近代和声学」　音楽の友社

これら、「不良」とされていた連続和音による反抗が、ジャズやロックといった「不良」の音楽語法とどうつながっていくのか、それは、また後日。